TheNewDécor– вторая выставка, которая сейчас идет в Гараже. Любые проекты этого выставочного пространства великолепны, но этот заметно выделяется из всех остальных в лучшую сторону.
Если взять французское слово décor, то оно одновременно отсылает и к театральным декорациям, и, естественно, к искусству украшения интерьера, в чем французы преуспели. Возможно, именно поэтому экспонаты выставки находятся на грани между художественным взглядом на мир и жизненной функциональностью, между артом в чистом виде и необходимой повседневностью. Каждый предмет поднимает различные проблемы нашего мира, от глубоко социальных до философских трактов Фрейда: это и проблема нашего скрытого постоянного сексуального влечения (огромный гамак из металлических цепей с плетками), и проблема тяжелых условий жизни трудовых мигрантов (уменьшенная крохотная комнатка рабочего в Южном Китае), и замкнутость и сумасшедший ритм жизни городов Америки (кровать-магистраль, с которой нет «съезда»), и мнимая бесцельность нашей жизни (дверь, которая не дает понять, где мы находимся: внутри или снаружи).
На экспозиции представлены работы 30-ти современных художников из 22-х стран мира. Они трансформируют, меняют и искажают вид объектов, которые мы привыкли видеть ежедневно. Лампы, люстры, кровати, стулья — все открывается с новой интригующей стороны. По словам Ругоффа, взгляд художников на соединение декора и искусства очень интересен. Так, поляк Ярослав Козловский представляет свою инсталляцию, которая состоит из сломанных стульев и столов, которые автор собрал в башню. Англичанка Мартин Бос решила поиграть со светом и показывает работу "Одно разбитое сердце" - это прикрепленная к потолку ажурная паутина из неоновых трубок. Для меня выставка получает рейтинг mustvisit.
Вот и начал для себя я 2010 год, то есть арт-год, ведь вчера я посетил первую выставку за эти 2 месяца. Местом моего променада стал центр современного искусства "Гараж". Для меня "Гараж" является лучшим выставочным пространством города, которое всегда привозит лучших художников со всего мира. Да редко, да на другом конце Москвы, но выставки всегда проходят на высочайшим уровне (в этот раз порадовали приятные молодые работники, а не бабушки из музеев) да и помимо арта можно посидеть в кафе или накупить интересных книжек по искусству и альбомов фотографов.
Впервые за время существования «Гаража» здешнее пространство целиком отдано российскому современному искусству. Была, правда, еще персональная выставка Ильи Кабакова на самом старте, в 2008 году, но все-таки этот автор на практике давным-давно иностранец, как бы ни эксплуатировались в его работах советские реалии. Несколько российских художников фигурировали также в составе международного проекта на прошлогодней Московской биеннале – и это все, пожалуй. Едва ли нынешнее выступление символизируют смену «гаражного» курса, но факт остается фактом: обе выставки построены целиком на отечественном материале, пусть даже куратором «Футурологии» стал француз Эрве Михайлов.
На одном пространстве представили сразу два проекта — «Футурология» и «Русские утопии», которые можно было объединить в одну, а то и вовсе их не делать — за отсутствием внятных задач. «Футурология» исследует авангардное движение начала 20-го века, демонстрируя влияние Казимира Малевича и его современников на актуальную арт-сцену. «Русские утопии» посвящены утопическому проектированию в русском искусстве. Вместе эти два проекта, собравшие работы более 40 художников, представляют разные траектории, по которым развивалось современное искусство в России.
Проект начинается с двух знаменитых полотен Малевича, к котором нельзя подобраться ближе, чем 2 метра, ибо неистово начинает пищать сигнализация. Оба полотна представляют два основных направления творчества художника: абстракции и фигуративности. Наряду с ними, в первой части выставки находятся еще 18 абсолютно новых масштабных работ современных русских авторов. Однако, практически никого из четырех десятков задействованных художников нельзя причислить ни к наследникам идей супрематизма, ни тем более к продолжателям революционного «утопического проекта», как было заявлено во вступительном слове.
Вот частичный список арт-объектов проекта: зиккурат из сена Николая Полисского, полиптих Айдан Салаховой «Предназначение» про исламскую эротику, гигантский рельеф из белой пластиковой сетки от группы Recycle, якобы отсылающий к образам сталинской монументальной пропаганды, но в действительности критикующий общество потребления (ох, как мне они надоели!) — все эти опусы по-своему занятны и одинаково не работают на концепцию. Скажем, инсталляция «Бархатная комната» группы «Медицинская герменевтика» (это авторский ремейк произведения 1991 года) напомнит, скорее, о Дэвиде Линче, нежели о каких-то «русских утопиях». Может, честнее было бы признать, что никакого стилеобразующего влияния на современных художников ни авангард, ни соцреализм не оказывают. Иронические парафразы, которых здесь в избытке, — они и есть иронические парафразы.
Но, в конце концов, это в разы, в десятки раз лучше того, что обычно предлагает ММСИ, где иногда кажется, что все сделано в подвале на Петровке. Да и где вы увидите еще Ольгу Свиблову, так много геев и сумок Chanel 2.55, от которых стало рябить в глазах.
"I'm a dancer. I love to dance!" — сорвалось у меня с уст словно, как у героини Николь Кидман в рекламе Chanel, когда я вышел на улицу после выставки. Вы любите балет, так как люблю его сейчас я? Пожалуй, нет. Но после похода в ЦДХ, или как его сейчас называют ГТГ на Крымском валу, думаю, ваше отношение к балету изменится в корне. А ведь балет — это наше все, даже единственное конкурентное преимущество нашей страны, ну, не гидроэлектростанции же. Главное, что может помешать балету стать основной статьей российского экспорта — уход старых педагогов, учителей с большой буквы, которых некем будет заменить.
Но сегодня не о грустном! Давайте вспомним золотую эпоху русского балета, когда он сформировался как визитная карточка России, — "Русские сезоны" Сергея Павловича Дягилева. Он никогда не был ни балетмейстером, ни режиссером, но сумев объединить лучших из лучших деятелей Петербурга: танцоров, композиторов и постановщиков, еще в царской России — в 1906 — отправляется в первый voyage в Париж. Александр Бенуа, Игорь Грабарь, Валентин Серов, Филипп Малявин благодаря Дягилеву приняли участие в Осеннем салоне. Но успех только впереди! 1909 — Ballets russes в Париже. Премьера балетных сезонов обернулась настоящим триумфом. Публика и критики восторженно отзывались о мастерстве русских танцовщиков (особенно отметив Нижинского, Павлову и Карсавину), об уникальных декорациях и костюмах работы Рериха, Бакста и Бенуа, о музыке Римского-Корсакова, Мусоргского, Глинки, Аренского, Бородина и других композиторов, чьи произведения составили музыкальную основу балетов. В истории "Русских сезонов" были и взлеты, и падения, но вплоть до 1929 они с успехом гастролировали по всей Европе, пока не скончался С.П. Дягилев.
"Русские сезоны" интересны не только тем, что невероятно популяризовали русскую культуру на Западе (вплоть до того, что супруга короля Великобритании Георга VI выходила замуж в «платье, перефразирующем русские фольклорные традиции»), но и тем, что над ними работали великие люди мира искусства. Декорации и костюмы дягилевских постановок создавали и Леон Бакст, и Александр Бенуа. Позднее Дягилев с его страстью к новаторству привлекал в качестве декораторов передовых художников Европы: Пабло Пикассо, Андре Дерена, Коко Шанель, Анри Матисса. Не менее плодотворным было сотрудничество Дягилева с известными композиторами тех лет — Рихардом Штраусом, Эриком Сати, Морисом Равелем, Сергеем Прокофьевым, Клодом Дебюсси, — и в особенности с открытым им Игорем Стравинским.
Придя в Третьяковку до 31 января следующего года, вы сможете лицезреть невероятного объема экспозицию: костюмы, эскизы, макеты декораций, афиши, картины и даже точная постановка многих балетов, с использованием идентичных костюмов и декораций, которые можно увидеть в записи. Поверьте, такой балет стоит свеч!
Сразу две выставки открылись в Третьяковской галерее на Крымском Валу в рамках Третьей Московской биеннале современного искусства. Первая — "Не Игрушки!?", посвящена игрушке как материалу для творчества художника. Вторая — инсталляция "Massouleum", в которой выставлены произведения "бумажных архитекторов", пополнившие в последнее время коллекцию главной галереи страны.
В ЦДХ я не был очень давно — в последний раз я был там в очень глубоком детстве, и если мне не изменяет память, то на каком-то фото-проекте, посвященном российским актером. Этот же поход был достаточно целенаправленным и очень осознаным.
Многие годы, в том числе и в наше время, игрушка, простая детская игрушка, становилась одним из предметов современного искусства, была одним из его "материалов", как мрамор у скульптур древних греков или дерево в русском зодчестве. На протяжении всего ХХ века художники неизменно обращались к игрушкам в стремлении выйти за пределы установленных границ "серьёзного" и "взрослого" искусства, потерявшего свою игровую природу. Производство картин и скульптур в художественной практике уступает место манипуляциям с "готовыми" предметами из "детского мира" - с куклами, плюшевыми зверями, солдатиками, игровыми автоматами и прочими игрушками как промышленного, так и кустарного изготовления.
На выставке представлены как и игрушки разных годов, так и арт-объекты по их мотивам. Выставка стала местом, в котором соединяются разные поколения: и бабушки, и люди среднего возраста, и те, кто вырос в 80-е и совсем молодое поколение — современны дети. Было невероятно умилительно смотреть как "взрослые дяди и тети" подходили к экспонатам и говорили: "А помнишь, вон та кукла была у Машки Петровой! А эта машинка у меня! А вон тот конструктор я всегда хотел на Новый год!". То есть, даже вырастая, в нас остается маленькая частичка самого прекрасного момента, — детства — которая иногда вылезает и дает о себе знать в самые разные моменты. Разочаровало, конечно, немного тот факт, что родители, подумав, что это детская выставка взяли с собой своих детишек, которые не вникали в смысл многих инсталляций.
В семи разделах выставки игрушка раскроется как прообраз будущих произведений искусства (раздел "Детский авангард" представит уникальные, никогда ранее не экспонировавшиеся макеты игрушек А.Геснера 1930-х годов), как деструктивный элемент, взрывающий картинную плоскость (раздел "Ассамбляжи"), как fetish и элемент алтарных форм (в разделе "Магические объекты и алтари"), как автономный "абджект", пребывающий на грани живого и неживого (раздел "Объекты манипуляций"), как предмет концептуального коллекционирования и воспроизводства (раздел "Музей игрушек") и, наконец, как полноценный действующий субъект, способный заменить собой не только произведение искусства, но также и самого зрителя (раздел "Музеи - игрушкам").
Для меня ММСИ на Чеховской медленно, но верно превращается в Винзавод — одна нормальная/хорошая/отличная экспозиция и несколько, мягко говоря, так себе. Либо это всеобщая тенденция, либо просто денег нет на организацию и сбор хороших вещей. Уж лучше делать 2-3 выставки в год, но просто замечательных, чем это. К слову, эти занимается Гараж.
Так вот, в этот раз параллельно со специальным проектом в рамках Третьей Московской биеннале современного искусства — Шведской семьей — в ММСИ проходило парочка других exhibition, которые я, к счастью, просто прошел мимо.
Что для обычного русского значит понятие "шведская семья"? Никому не надо объяснять, что такое "шведская семья" или "трое в лодке". Упоминания о свободном нраве шведов, сопровождающиеся непременными смешками и недоговорками, наверное, также встречались многим. Вероятно, этот миф зародился еще с советские времена, когда подпольно у нас в стране стали появляться первые шведские журналы моды, фильмы, ну, конечно, всемирно известная группа Abba. Но, увы, это всего лишь миф. Дело в том, что термин "шведская семья" в том значении, которое это словосочетание получило в русском языке, не знаком шведам. Для них "шведская семья" символизирует союз мамы, папы и детей, выступающий в качестве фундамента, и, если хотите, ячейки шведского общества. Основной термин шведской социологии 20 века.
Именно эту идею и захотелось воплотить куратору выставки, ой простите, кураторам, а именно: Хелена Лаукканен, Наташа Данберг, Анна-Карин Брюс, Катарина Сундквист Зохари, Агнета Форслунд.
Идея выставки появилась сперва как шутка, возникшая во время совместных выставок между художниками обеих стран. Лишь позднее стало очевидно, что тема семьи, не важно – русской или шведской, присуща творчеству многих. Это тема, которая и объединяет, и разделяет. Важным было исследовать – что же есть современная семья? Мать-одиночка в ожидании алиментов, гомосексуальная пара с детьми от предыдущих браков, беженцы в ожидании вида на жительства... или молодая пара, родившая двух малышей и купившая новый дом; счастливые старики, окруженные чадами и домочадцами; бездетные супруги, усыновившие близнецов?
Отношения внутри семьи – наверное, та часть исследования, которая получила наибольшее пространство. Многие художники впускают зрителя в свою частную жизнь, рассказывают историю собственной семьи. На выставке представлены документации перформансов, инсталляции, левкасы, карандашные рисунки, скульптуры и вышивки.
В Москве, наконец, прошло открытие главного события в современном искусстве в России — старт главной площадки 3-ей Московской Биеннале Современного Искусства. Главным сборочным пунктом стал Гараж. Так что, огромное спасибо Даше Жуковой! Перед обзором хочется отметить тот факт, что современное искусство, и правда, стало очень популярным и уже не таким "непонятным". На выставке были замечены люди разного возраста, в этом наверно и главный секрет:в современном искусстве каждый найдет для себя что-нибудь свое, и ребенок, и взрослый, и пожилая бабушка. Интересно и то, что на выставке было очень много иностранцев.
Такой вид искусства всегда является невероятно свежим и актуальным, всегда освещая важные события, творящиеся вокруг нас. Главными проблемами этой биеннале стали загрязнение окружающей среды, как всегда антивоенное движение, глобализация мира ( наверно одна из самых популярных тем в contemporary art) и, пожалуй, познание своего сознание, так как на одни и те же вещи можно, в буквальном смысле, посмотреть под другим углом.
Одной из самых интересных оказалась конструкция, обретающая форму движущейся змеи, одновременно являющейся "мостом". Внутри - черепахи, змеи и бронзовые статуэтки династии Цин, все это должно отсылать нас древнекитайской легенде о черепахо-змее. Под мостом находится клетка для пресмыкающихся и насекомых – саранча, тарантулы, жирный скорпион и многие другие. Женщины передергиваются, а дети только веселятся и кричат: "Мама, купи!".
В других залах можно увидеть играющих на электрогитарах птиц, муравьев, пожирающих сыр. Гуляя по выставке можно "отдохнуть" в белоснежной комнате, где находились странные интерактивные экспонаты, на которых можно полежать, испытывая различные чувства: подвешенная к потолку кушетка (невесомость), кровать, над которой висят непонятные скелеты животных (агония), и другая кровать, где прям над головой, на расстоянии в 15 сантиметров будет висеть огромный камень (страх). Одна из завершающих инсталляций - композиция "Дом престарелых", где в бесконечном движении перемещаются на электрических колясках восковые фигуры стариков разных национальностей. А еще есть нацистская свастика из форменных штанов и сапог Вермахта, творчество африканских художников и коллекция афганских ковров.
Биеннале – всегда большое событие в мире современного искусства, стоящего в оппозиции "старому" искусству. И Московская биеннале с каждым годом набирает популярность не только на международной арене, но и среди соотечественников. Именно в таком порядке. Безусловно, в этом году биеннале особенно ждали. Об этом говорили еще в Венеции – на одном из самых популярных смотров мирового искусства.
Каждый раз, попадая в Манеж, я испытываю смешанные чувства — это и базар/ярмарка и главная площадка Московского Дома Фотографии. Но так как я здесь не впервой, то данное место меня интересует исключительно, как gallery. К годовщине падения берлинской стены МДФ совместно с рядом немецких, ну или германских (как вам угодно), музеев организует одноименную выставку.
Давайте вспомним все же историю. В конце 20-го века произошли тектонические сдвиги на политической карте мира: границы множества государств претерпели изменения, появились новые страны, а некоторые страны испарились, но к счастью для нас, все это обошлось без каких-либо глобальных военных действий. Что же творилось в нашей стране можно почитать тут, но сейчас не о "перестройке".
Самым главным событием того времени стало падение бетонной стены — своеобразного визуального символа "Железного занавеса", который разделял мир на два блока, две половины: НАТО и страны Варшавского договора; капиталистический и социалистический миры. Люди, а именно жители Германии, Берлина в частности, стали невольными жертвами диктаторской дележки мира. Семьи были разбиты, друзья разлучены на две половины, которые невозможно было воссоединить. По некоторым оценкам, при попытке преодолеть Берлинскую стену с 13 августа 1961 года по 9 ноября 1989 года погибло 645 человек. Однако по состоянию на 2006 год документально удалось подтвердить насильственную смерть в результате попытки преодоления стены только для 125 человек.
Все это можно увидеть в Манеже. Как только попадаешь в выставочный зал, то начинаешь продвигаться по реке истории, хронологически прослеживая жизнь берлинцы. Пытающиеся сбежать семьи, общение через преграду, дом, который стена разделила на две половины, мятежи, граффити и, конечно, "падение".
Так же можно посмотреть документальные фильмы, которые еще глубже погружают в ту эпоху. А еще подняться на макет смотровой башни в масштабе 1:1, с которой раздается немецкая речь и лай собак.
Это мое не первое знакомство со столь интересным местом, как Laboratoria Art&Science Space. В предыдущей моей статье об этом интересном месте на Садовом кольце я писал, что тут соединяются воедино: наука, арт и зрители.
В этот раз в "лаборатории" представлены художники из Екатеренбурга — Куда Бегут Собаки (КБС), которые вместе с учеными погрузились в столь загадочный мир электро-физических экспериментов.
В аннотации к выставке говорится о "генераторе Ван да Граафа", что представляет собой электрический заряд("молния"), бьющий "в голубую желеобразную массу"(см. рис.), но, к сожалению, на экспозиции мы его не увидели.
Самой интересной инсталляцией была пирамида из сосудов, устроенная как "система самоописания" и "самодисциплинирования" воды. Вода разными, незаданными путями движется из чаши на вершине пирамиды в сосуд нижнего уровня. Система магнитных переключателей регистрирует движение маленьких чашек внутри пирамиды, выдавая результат в виде распечатки двоичного кода.
0000 1111 000 0000 1111 1111 0000 000 1111
Помимо этого на выставке были представлены два видео-арта: Дорога (2002) и (.) Или Пейзаж Наблюдающий Сам Себе (2006). Последний представлял собой запись с камеры, установленной на вершине конуса, которая была направлена на выгнутое зеркало. Оператор передвигается вместе со всей конструкцией, осуществляя видеосъемку.
"Материалисты ходят на именины, идеалисты на похороны. " Дон Аминадо
Московский музей современного искусства и галерея RuArts представляют первый музейный проект Петра Аксенова — мастера арт-провокации, художника, фотографа и продюсера в одном лице. Его острые актуальные проекты всегда вызывают бурные споры и широкий общественный резонанс. В послужном списке Петра Аксенова — выставки в Париже, Нью-Йорке, Милане, Майами, успешные арт-проекты в ресторанном бизнесе, организация разнообразных мероприятий в сфере моды и искусства. Работы художника занимают достойное место в частных коллекциях США, Европы и России.
Мода, то есть вся fashion-индустрия, давно уже влилась в мир искусства и является неотделимой частью современного арта. И эта выставка в ММСИ на Гоголевском бульваре является прямым доказательством.
В работах Петра Аксенова процесс нтеграции искусства в мир модных брендов достиг логического финала — деконструкции: узнаваемые символы превратились в каменные надгробия, а вся fashion-индустрия упокоилась в метафорическом некрополе. Созданные художником образы воспринимаются особенно остро на фоне нынешних пессимистических тенденций в мировой экономике.
Главная тема — похоры основных брендов. Главные тренды и узнаваемые символа, как сумка Hermes, помада YSL, духи Chanel №5, кепка Dolce&Gabbana, превратились в надгробные статуи, а готические мавзолеи античных времен носят названия: Prada, Gucci, LV.
Но не всем брендам это пришлось по вкусу. Из зала были вынесены работы, изображающие "похороны" Christian Dior и Louis Vuitton, по ностоянию LVMH. Что такое LVMH и как его едят? Ну, в 2-х словах это французская компания, известный производитель предметов роскоши под торговыми марками Louis Vuitton, Givenchy, Kenzo, Chaumet, Moët & Chandon, Hennessy, TAG Heuer и др.
Стены каждого зала украшают фотоработы, на поддоконниках стоят увядшие цветы, выставку открывает огромный венок — все это помогает передать атмосферу похорон.
"Серьезность ошибки зависит от её последствий!" сериал Доктор Хаус
В ММСИ открылась выставка, которая уже успела объездить все площадки современного искусства России: Самара, Красноярск, Екатеринбург, Новосибирск и еще ряд крупных российских городов. Это второе дыхание известной выставки "Будущее зависит от тебя." в 90-х, но на этот раз отобрано около 90 экспонатов и добавлено парочка новых из коллекции Пьера Броше.
На выставке представлены все самые знаменитые русские художники современного искусства: Айдан Салахова, Константин Звездочетов, Сергей Шеховцев, Владислав Мамышев-Монро, "Синие Носы", Кулик и многие другие.
Работы художников разбиты на несколько категорий, которые расспалогаются в разных залах ММСИ: Идея, Социальность, Революция и др.
Для меня, бесспорно, самым любимым отделом стала Социальность. Так как она описывает нашу жизнь, к которой мы привыкли и знаем, тот социум, в котором мы живем. Главным художником представлен Алексей Каллима, который, наверно, единственный из русских творцов решается изобразить больную для нашей страны тему — Чечню. Ей религию, войну, контраст между русскими и чеченцами и абсурд всей этой ситуации. Главным примером этого является картина "Между случайностью и необходимостью".
"Курица —не птица, Болгария —не заграница." русская поговорка
Константин Звздочетов — один из самых известных художников современной России, а начел творить он еще в 1978 году в купе с легендарной творческой группой "Мухомор". Константина и, собственно, его творчество можно увидеть на всех крупнейших фестивалях современного искусства: от Documenta в Касселе до Веницианского биенале. Новый проект Звездочетов "Нормальная цивилизация" — это как один огромный проект: представление советским человеком "рая" заграницы. Но какая "забугорная" страна могла предстать перед советским человеком? Куба, Болгария, ну и другие страны соцблока. Но эта заграница, которая была в мечтах нашего человека: огромные рекламные плакаты южных городков, море, пляж, запрещенная музыка, Ambassador, Golf, Lolita, Shop Sex, кстати это один из приемов который использовался автором, все слова, даже русские писались латинскими буквами.
Константин одновременно пародирует и западное направление поп-арт. Но если порп-арт Энди Уорхола каталогизировал, высмеивал общество потребления, которое сложилось в те годы в Западном мире (да, а что же тогда было в СССР?), то Звездочетов берет эти образы и пропускает через призму мышления советского гражданина, партийца, так сказать. Ум граждан манил и соблазнял, таящий в себе погибель, капитализм вплоть до перестройки. И единственное, на что мог рассчитывать "простой советский человек", был какой-нибудь черноморский курорт: Сочи, Анапа, Геленджик...
Ум граждан манил и соблазнял, таящий в себе погибель, капитализм вплоть до перестройки. И единственное, на что мог расчитывать "простой советский человек", был какой-нибудь черноморский курорт: Сочи, Анапа, Геленджик...
"Ваше запястье, насколько я могу судить, сломано в трех местах. И раздроблены два позвонка, хотя нужен еще рентген…" фильм Death Becomes Her
Я впервые посещаю арт-галерею Laboratoria Art & Science Space, которая находтся недалеко от метро Курская, которая знаменита другим центром современного искусства — Винзаводом. Основная концепция галереи — это пространство для установления нового типа взаимоотношений между артом, наукой, а галерея находится на заднем дворе НИФХИ им. Карпова, и обществом, так сказать, народными массами.
И так как, галерея носит научный характер, выставка "Рентгенограмма" тоже не только art, но и science. Немецкая художница Габриэле Ляйдлофф представила семь видео-проектов, который объединены темой исследования восприятия, которая понимается автором как взаимодействие физиологических и культурных процессов.
Во время создания работ, ну например Мое сердце, Страшный выбор, Погоня, немка подвергала свое тело и отдельные части излучению с помощью различных медицинских приборов и технологий. А затем " задает вопросы" зрителям об отличии видимого и реального.
В рамках этой экспозиции можно будет и посетить круглый стол (15 июня), на котором будут присутствовать и ученые и художники.
"Мысль, и даже возможность, может разрушить и изменить нас." Фридрих Ницше, немецкий философ
Выставка, состоящяя из экспонатов коллекции Франсуа Пино, располагается в "Гараже", который с размахом был открыт Дашей Жуковой прошлым летом. Вместе с Романом Абрамовичем она спасла разваливающийся Бахметьевский гараж – бывший автобусный парк – и превратила его в международный культурный центр, который стал основным конкурентом "Винзавода" на Курской.
Выставку открывает огромный череп, руки главного индийского художника — Субоух Гупты. Череп, сделанный из обыкновенной кухонной утвари, называется "Очень голодный Бог" и отсылает нас к классических образам индийской мифологии, к богине Кали – богине смерти, но в то же время, материал, из которого сделан арт-объект, адаптирует скульптуру к нашему времени.
Первый раздел выставки называется "Война". Первое, куда попадаешь, есть огромный палаточный лагерь американских военных в натуральную величину. Все это немного пугает, такое ощущение, что ты оказался в неком фильме ужасов (в одной из палаток стояли гробы, висела петля для самоубийц), но в тоже время порно-ленте, так как в одной из палаток мы находим "отрезанные" вибраторы, фаллоимитаторы и другие странные вещи. Помимо этого натыкаешься на стеклянный стол, на котором просвечивают пленку: кадры из гей-порно, накаченные американские солдаты и агитационные плакаты сороковых.
В соседнем зале представлен другой вид войны – войны за собственную личность, Карлоса Омаралеса. Это первый видео-арт на выставке, которых будет довольно много. Первое видео это два, человека в одинаковых масках, связанных макушками – один из видов мексиканской борьбы. Главный герой борется "с собой", пытаясь познать что то в своей жизни.
Второй раздел выставки, "Общество спектакля", представляет собой борьбу общества с масмедиа, индустрией развлечения: кино, ТВ, мода, со всем тем, что достигла апогея в конце ХХ века в творчестве многих художников. Начало этого раздела основано на фильмах легендарного Альфреда Хичкока, таких, как "Психоз", "Птицы". Один из самых интересных экспонатов это намеренно увеличенный в размерах душ из фильма "Психоз", в котором установлены камеры так, как стояли они у Хичкока во время съемок.
Видео "Дубль" - самое длинное, но, наверно, самое интересное видео выставки. Она начинается с цитаты из New York Times от 11 сентября 1948, когда стая птиц врезалась в Эмпаер Стейт Билдинг и разбилась насмерть. Говорят, именно этот случай встал в основополагающие фильма "Птицы" Альфреда Хичкока. В видео присутствует параноидальное издевательство над эстетикой холодной войны, что особенно понятно русскому зрителю, хотя фильм почти идет только на английском языке. Далее представлено очередное видео, основанное на творчестве Хичкока. Это пристрастье современных молодых художников к режиссеру объясняется просто: кроме Хичкока никто не смог добиться от камеры такой выразительности.
Так много работ великого Джеффа Кунса Москва, да и Россия еще не знала. На всех мировых аукционах его работы продаются за очень и очень большие деньги. Главная его фишка – "надувные" игрушки, круги, сделанные из алюминия так хорошо, что даже при ближайшем рассмотрении невозможно понять, что это металл. Легкость и тяжесть перекликаются в его работах, что вводит зрителя в смятение.
Вместе с этим можно посмотреть и на огромные три сердца, одно из которых сделал Кунс. В работах использованы одноразовые вилки ложки, лампочки Лос-Анджелеса и алюминий, в случае с Джеффом.
Третьим разделом выставки является тотальная "Глобализация". Она везде: в Азии, Европе, Америке, моде, культуре, технике, искусстве. Тут представляется звезда мировой величины, иранская художница Шерин Нишад, которая представила кадры из документального фильма покрытые арабской каллиграфией. Это ее прием, совмещение всем понятного, но табуированного лица человека с арабским текстом, что ни что иное, как сценарий ее фильма, понятного для арабского зрителя и сугубо декоративного для зрителя Запада.
Последний зал, он же и последний арт-объект "Время на размышление" — длинный, вытянутый коридор, на стенах которого прикреплены галогеновые цветные лампы. Автор сего цветового действа — Ден Флавин. Это второе появление объекта после дебюта в Кельне в 1973 году. Работы Флавина это лестная дань русскому искусству, а конкретно зданию "Гаража", ведь как раз русский конструктивизм, в котором выполнен Бахметьевский автобусный парк, отразился в творчестве художника.
Почти месяц назад я побывал на выставке Жауме Пленса в Diehl + Gallery One на Смоленской набережной. Выставка продлится до 28 марта.
Жауме Пленса - известный испанский скульптор и художник. Одина из самых заметных работ Жауме - Фонтан Корона в парке тысячелетия в Чикаго. Другим примером является Блейк в Гейтшид, в северо-восточной Англии, чей лазерный луч сияет в ночном небе над Балтийским центром современного искусства в Гейтшид. В тот морозный и снежный день, когда я вошел внутрь галереи, я оказался где то в тропическом лесу с его видами, запахами и ощущениями. Это была скульптурная композиция "Сердца деревьев" (2007). Весь первый этаж был заставлен скульптурами, созданными из металлических букв, в центре которых росли настоящие деревья, из-за которых все помещение сразу наполняется свежестью. На втором этаже экспозиции были представлены картины, представляющие собой лица женщин из воска и вырезок из газет, поверх которых наискось алеют надписи «Shostakovich» или «Tchaikovsky». Вся экспозиция была довольно маленькой, но очень домашней и уютной.
"Быть мухой - это не значит быть кем-то; это значит быть в каком-то состоянии"
Прохглазко
После долго перерыва - почти в один месяц - решил посетить выставку "От штудии к артобъекту", проходящую в ММСИ на Петровке до 10 мая.
Анна Арутюнян, куратор выставки, разбила все экспонаты на три категории: «Канон», «Натура», «Метаморфозы», которые в свою очередь делятся еще на подкатегории. Чтобы не искать таблички с названиями категорий, их просто повесели под потолок на шнурах в виде белых слов: «Автопортрет», «Пейзаж», «Купальщицы», «Мастерская» («Натура») и «Гиперреальность», «Механизмы движения», «Геометрию формы», «Упражнения языка» («Метаморфозы»).
Первый зал, в который попадаешь, - «Канон». На стенах висят картины ранних штудий XX века, все работы отсылают нас к Античности с ее работами, восхваляющими идеальное мужское тело. Нужно отметить то, что все половые органы на работах прикрыты толи "носками", толи "платочками".
Nature morte
Вступление. Работы середины XX века, которые показывают жизнь, как она есть. Одна из самых интересных работ этого отдела - "Три стакана" Вячеслава Колейчука. Она представляет собой стальной крутящийся диск с граненым стеклянным стаканом. Но где же еще два? Подойдя поближе, мы замечаем, что на металлический диск нанесено какой-то cover, который при игре света образует " голаграмму" еще двух стаканов.
Следующий зал это подкатегории: «Автопортрет», «Лица», «Купальщицы».
Одна из самых ярких работ этого зала - это инсталляция из шлангов, лампочек, игрушечных пистолетов, диктофонов, играющих некую музыку, и тазов. Это была скульптура Наталии Турновой из серии "Агрессия". Еще одна интересная работа - это "Девушка" Игоря Бурганова, холст с легкими чертами овала лица и выпирающими металлическими штырями на месте груди. Так же на выставки были и "Синие носы" с их знаменитыми "Маленькими человечками" - 4 мужичка копошатся в коробке. Из залов «Пейзаж» и «Мастерская» можно отметить две работы: безымянный холст, на котором изображена пустыня с оазисами, над которыми развеваются флаги Японии, СССР, Англии и Фашистской Германии, а также "Башмаки" Владимира Анзельма, сделанные из каменного угля.
Метаморфозы.
По коридору, на стенах которого написаны цитаты многих известных деятелей modern art'а, мы попадаем в новый зал - «Гиперреальность». Самый интересный объект - фотография курящей женщины в пластиковом кубе с запотевшими стенками.
Пройдя по выставке далее, мы попадает в зал «Репетиция». На одной из стен висят изображения, как будто сделанные в Windows 98, на которых изображен человек собака. А на другой стене - работа Татьяны Файдыш "Собрание". Последние залы, «Классика» и «Упражнения языка», стали лучшими в категории «Метаморфозы». Одна из самых интересных работ выставки - картина натурщицы, на которую наложено видео, снятое во время создания картины; непонятные классические образы, выполненные на обычной картонной коробке. Таким образом, пройдя всю выставку, Вы проходите весь путь от штудии к артобъекту.
В Москву осенью приезжает передвижная выставка Chanel, которая уже успела побывать во многих крупных городах мира. Chanel вместе с одним из главных архитекторов современности - Захой Хадид - представил передвижной павильон, в котором находится выставка. Проект объединил художников со всего мира для создания арт-объектов, вдохновленные элементами знаменитой стеганной сумки Сhanel, которая произвела фурор у общества начала XX-го.
От России выбрали творческую группу из Сибири "Синие носы", кроме них в проекте участвуют Ли Бюль, Майкл Лин, Пьер&Жиль, Йоко Оно. Пока выставка не приехала в Россию, с ней можно ознакомиться на официальном сайте.
Это первый weekend после открытия выставки Ирины Кориной в ММСИ в Ермолаевском переулке. Сама выставка поражает размахом и размерами некоторых работ. Ирина занимается творчеством уже 10 лет, и на этой выставке собраны работы разных лет ее творчества, разных серий: "Smile"(2007), "Назад в будущее"(2004) и др. Выставка расположена на 4-х этаж ММСИ и каждый из них выделяется по-своему. Первый этап-этаж - белый туннель, который ведет в небольшой тупик размером 50х50, из-за стен которого виднеется мозаика a la СССР-космос. На том же этаже находятся непонятные объекты, которые играют, светятся и чего только не делают. Поднявшись на другой этаж, попадаешь в сосново-еловый бор, состоящий из б/у елок, оставшихся с Нового года; здесь они находят свое пристанище после праздника. В променаде по "бору" натыкаешься на огромный военный бункер, внутри которого находятся непонятные трафареты самолетов, вертолетов и другой военной техники. На одном из этажей находится инсталляция, представляющая собой задворки какого-то дачного дома, отделанного «сайдингом» и мягкой кровлей, и шатающихся половых досок. На этом же этаже перед нами предстают картины в стиле поп-арт, сделанные на мешковине и прикрепленные к стене гвоздями. Из такой же мешковины сделаны "челночные" сумки в другой части выставки, которая представляет собой комнату где-нибудь в гостинице "Ижевск" в 1980-х. Одной из самых интересных инсталляций можно считать "29 трансформаций" - помещение, покрытое "волдырями", с "плесенью" из лампочек в углах и с unreal фотографиями на стенах.
Вместе со мной на выставке была и Ирина Корина, но, к сожалению, интервью у нее взять не удалось.
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
.JPG)
