Футурология. Русские утопии

Вот и начал для себя я 2010 год, то есть арт-год, ведь вчера я посетил первую выставку за эти 2 месяца. Местом моего променада стал центр современного искусства "Гараж". Для меня "Гараж" является лучшим выставочным пространством города, которое всегда привозит лучших художников со всего мира. Да редко, да на другом конце Москвы, но выставки всегда проходят на высочайшим уровне (в этот раз порадовали приятные молодые работники, а не бабушки из музеев) да и помимо арта можно посидеть в кафе или накупить интересных книжек по искусству и альбомов фотографов.

Впервые за время существования «Гаража» здешнее пространство целиком отдано российскому современному искусству. Была, правда, еще персональная выставка Ильи Кабакова на самом старте, в 2008 году, но все-таки этот автор на практике давным-давно иностранец, как бы ни эксплуатировались в его работах советские реалии. Несколько российских художников фигурировали также в составе международного проекта на прошлогодней Московской биеннале – и это все, пожалуй. Едва ли нынешнее выступление символизируют смену «гаражного» курса, но факт остается фактом: обе выставки построены целиком на отечественном материале, пусть даже куратором «Футурологии» стал француз Эрве Михайлов.

На одном пространстве представили сразу два проекта — «Футурология» и «Русские утопии», которые можно было объединить в одну, а то и вовсе их не делать — за отсутствием внятных задач. «Футурология» исследует авангардное движение начала 20-го века, демонстрируя влияние Казимира Малевича и его современников на актуальную арт-сцену. «Русские утопии» посвящены утопическому проектированию в русском искусстве. Вместе эти два проекта, собравшие работы более 40 художников, представляют разные траектории, по которым развивалось современное искусство в России.

Проект начинается с двух знаменитых полотен Малевича, к котором нельзя подобраться ближе, чем 2 метра, ибо неистово начинает пищать сигнализация. Оба полотна представляют два основных направления творчества художника: абстракции и фигуративности. Наряду с ними, в первой части выставки находятся еще 18 абсолютно новых масштабных работ современных русских авторов. Однако, практически никого из четырех десятков задействованных художников нельзя причислить ни к наследникам идей супрематизма, ни тем более к продолжателям революционного «утопического проекта», как было заявлено во вступительном слове.

Вот частичный список арт-объектов проекта: зиккурат из сена Николая Полисского, полиптих Айдан Салаховой «Предназначение» про исламскую эротику, гигантский рельеф из белой пластиковой сетки от группы Recycle, якобы отсылающий к образам сталинской монументальной пропаганды, но в действительности критикующий общество потребления (ох, как мне они надоели!) — все эти опусы по-своему занятны и одинаково не работают на концепцию. Скажем, инсталляция «Бархатная комната» группы «Медицинская герменевтика» (это авторский ремейк произведения 1991 года) напомнит, скорее, о Дэвиде Линче, нежели о каких-то «русских утопиях». Может, честнее было бы признать, что никакого стилеобразующего влияния на современных художников ни авангард, ни соцреализм не оказывают. Иронические парафразы, которых здесь в избытке, — они и есть иронические парафразы.

Но, в конце концов, это в разы, в десятки раз лучше того, что обычно предлагает ММСИ, где иногда кажется, что все сделано в подвале на Петровке. Да и где вы увидите еще Ольгу Свиблову, так много геев и сумок Chanel 2.55, от которых стало рябить в глазах.

Видение танца

"I'm a dancer. I love to dance!" — сорвалось у меня с уст словно, как у героини Николь Кидман в рекламе Chanel, когда я вышел на улицу после выставки. Вы любите балет, так как люблю его сейчас я? Пожалуй, нет. Но после похода в ЦДХ, или как его сейчас называют ГТГ на Крымском валу, думаю, ваше отношение к балету изменится в корне. А ведь балет — это наше все, даже единственное конкурентное преимущество нашей страны, ну, не гидроэлектростанции же. Главное, что может помешать балету стать основной статьей российского экспорта — уход старых педагогов, учителей с большой буквы, которых некем будет заменить.

Но сегодня не о грустном! Давайте вспомним золотую эпоху русского балета, когда он сформировался как визитная карточка России, — "Русские сезоны" Сергея Павловича Дягилева. Он никогда не был ни балетмейстером, ни режиссером, но сумев объединить лучших из лучших деятелей Петербурга: танцоров, композиторов и постановщиков, еще в царской России — в 1906 — отправляется в первый voyage в Париж. Александр Бенуа, Игорь Грабарь, Валентин Серов, Филипп Малявин благодаря Дягилеву приняли участие в Осеннем салоне. Но успех только впереди! 1909 — Ballets russes в Париже. Премьера балетных сезонов обернулась настоящим триумфом. Публика и критики восторженно отзывались о мастерстве русских танцовщиков (особенно отметив Нижинского, Павлову и Карсавину), об уникальных декорациях и костюмах работы Рериха, Бакста и Бенуа, о музыке Римского-Корсакова, Мусоргского, Глинки, Аренского, Бородина и других композиторов, чьи произведения составили музыкальную основу балетов. В истории "Русских сезонов" были и взлеты, и падения, но вплоть до 1929 они с успехом гастролировали по всей Европе, пока не скончался С.П. Дягилев.

"Русские сезоны" интересны не только тем, что невероятно популяризовали русскую культуру на Западе (вплоть до того, что супруга короля Великобритании Георга VI выходила замуж в «платье, перефразирующем русские фольклорные традиции»), но и тем, что над ними работали великие люди мира искусства. Декорации и костюмы дягилевских постановок создавали и Леон Бакст, и Александр Бенуа. Позднее Дягилев с его страстью к новаторству привлекал в качестве декораторов передовых художников Европы: Пабло Пикассо, Андре Дерена, Коко Шанель, Анри Матисса. Не менее плодотворным было сотрудничество Дягилева с известными композиторами тех лет — Рихардом Штраусом, Эриком Сати, Морисом Равелем, Сергеем Прокофьевым, Клодом Дебюсси, — и в особенности с открытым им Игорем Стравинским.

Придя в Третьяковку до 31 января следующего года, вы сможете лицезреть невероятного объема экспозицию: костюмы, эскизы, макеты декораций, афиши, картины и даже точная постановка многих балетов, с использованием идентичных костюмов и декораций, которые можно увидеть в записи. Поверьте, такой балет стоит свеч!

Леди и джентльмены

Энди Уорхол — это икона современного искусства. Это первое, что приходит при произношении фразы "pop-art". Это банка супа Campbell's и разноцветная Мерлин Монро, это "Фабрика" и дух 60-х.

Около двух лет назад выставка работ Энди уже приезжала в Москву, тогда она произвела невероятный фурор в творческой среде, но, к сожалению, тогда мне не удалось ее посетить. Поэтому этот приезд выставки я не мог пропустить и задолго подготовился к походу. Самое интересное, что эта экспозиция будет проходить в 3 этапа:

1. Выставка в октябре в галерее К35
   
2. Этот step откроется в конце ноября. Будет представлено творчество молодого Уорхола
3. Top Secret

В галерее К35 проходит первый этап, на котором представлены самые знаменитые работы художника: Монро, Мадонна, Джексон, а также картины из его проекта "Леди и джентльмены". Серию работ "Леди и джентльмены"художник создал в 1970-е годы, начав работать над ней в своей студии, куда приглашал "богатых и знаменитых". Художник сумел создать особую атмосферу фотосъемки, в которой модели, символизирующие единство женского и мужского начал, блистали перед камерой Энди.

Принты серии «Леди и Джентльмены» представляют классический портретный формат Уорхола: полароидные снимки, перенесенные на бумагу. Законченные яркой женственной палитрой красного, розового, голубого и других пастельных тонов работы, как и серия, изданная Габриеле Мадзотта и представленнаяК35, отличаются буйством красок, подчеркивая уникальность сюжета.

Да, пространство К35 очень мало, но помимо Уорхола можно было посмотреть великолепные фотографии Монро. А уединившись за стенкой, присев на приятный диван или подоконник, полистать альбомы с другими картинами Уорхола, фотографиями Мерлин или различные арт-журналы.

Шведская семья

Для меня ММСИ на Чеховской медленно, но верно превращается в Винзавод — одна нормальная/хорошая/отличная экспозиция и несколько, мягко говоря, так себе. Либо это всеобщая тенденция, либо просто денег нет на организацию и сбор хороших вещей. Уж лучше делать 2-3 выставки в год, но просто замечательных, чем это. К слову, эти занимается Гараж.

Так вот, в этот раз параллельно со специальным проектом в рамках Третьей Московской биеннале современного искусства — Шведской семьей — в ММСИ проходило парочка других exhibition, которые я, к счастью, просто прошел мимо.

Что для обычного русского значит понятие "шведская семья"? Никому не надо объяснять, что такое "шведская семья" или "трое в лодке". Упоминания о свободном нраве шведов, сопровождающиеся непременными смешками и недоговорками, наверное, также встречались многим. Вероятно, этот миф зародился еще с советские времена, когда подпольно у нас в стране стали появляться первые шведские журналы моды, фильмы, ну, конечно, всемирно известная группа Abba. Но, увы, это всего лишь миф. Дело в том, что термин "шведская семья" в том значении, которое это словосочетание получило в русском языке, не знаком шведам. Для них "шведская семья" символизирует союз мамы, папы и детей, выступающий в качестве фундамента, и, если хотите, ячейки шведского общества. Основной термин шведской социологии 20 века.

Именно эту идею и захотелось воплотить куратору выставки, ой простите, кураторам, а именно: Хелена Лаукканен, Наташа Данберг, Анна-Карин Брюс, Катарина Сундквист Зохари, Агнета Форслунд.

Идея выставки появилась сперва как шутка, возникшая во время совместных выставок между художниками обеих стран. Лишь позднее стало очевидно, что тема семьи, не важно – русской или шведской, присуща творчеству многих. Это тема, которая и объединяет, и разделяет. Важным было исследовать – что же есть современная семья? Мать-одиночка в ожидании алиментов, гомосексуальная пара с детьми от предыдущих браков, беженцы в ожидании вида на жительства... или молодая пара, родившая двух малышей и купившая новый дом; счастливые старики, окруженные чадами и домочадцами; бездетные супруги, усыновившие близнецов?

Отношения внутри семьи – наверное, та часть исследования, которая получила наибольшее пространство. Многие художники впускают зрителя в свою частную жизнь, рассказывают историю собственной семьи. На выставке представлены документации перформансов, инсталляции, левкасы, карандашные рисунки, скульптуры и вышивки.

Против исключения

В Москве, наконец, прошло открытие главного события в современном искусстве в России — старт главной площадки 3-ей Московской Биеннале Современного Искусства. Главным сборочным пунктом стал Гараж. Так что, огромное спасибо Даше Жуковой! Перед обзором хочется отметить тот факт, что современное искусство, и правда, стало очень популярным и уже не таким "непонятным". На выставке были замечены люди разного возраста, в этом наверно и главный секрет:в современном искусстве каждый найдет для себя что-нибудь свое, и ребенок, и взрослый, и пожилая бабушка. Интересно и то, что на выставке было очень много иностранцев.

Такой вид искусства всегда является невероятно свежим и актуальным, всегда освещая важные события, творящиеся вокруг нас. Главными проблемами этой биеннале стали загрязнение окружающей среды, как всегда антивоенное движение, глобализация мира ( наверно одна из самых популярных тем в contemporary art) и, пожалуй, познание своего сознание, так как на одни и те же вещи можно, в буквальном смысле, посмотреть под другим углом.

Одной из самых интересных оказалась конструкция, обретающая форму движущейся змеи, одновременно являющейся "мостом". Внутри - черепахи, змеи и бронзовые статуэтки династии Цин, все это должно отсылать нас древнекитайской легенде о черепахо-змее. Под мостом находится клетка для пресмыкающихся и насекомых – саранча, тарантулы, жирный скорпион и многие другие. Женщины передергиваются, а дети только веселятся и кричат: "Мама, купи!".

В других залах можно увидеть играющих на электрогитарах птиц, муравьев, пожирающих сыр. Гуляя по выставке можно "отдохнуть" в белоснежной комнате, где находились странные интерактивные экспонаты, на которых можно полежать, испытывая различные чувства: подвешенная к потолку кушетка (невесомость), кровать, над которой висят непонятные скелеты животных (агония), и другая кровать, где прям над головой, на расстоянии в 15 сантиметров будет висеть огромный камень (страх). Одна из завершающих инсталляций - композиция "Дом престарелых", где в бесконечном движении перемещаются на электрических колясках восковые фигуры стариков разных национальностей. А еще есть нацистская свастика из форменных штанов и сапог Вермахта, творчество африканских художников и коллекция афганских ковров.

Биеннале – всегда большое событие в мире современного искусства, стоящего в оппозиции "старому" искусству. И Московская биеннале с каждым годом набирает популярность не только на международной арене, но и среди соотечественников. Именно в таком порядке. Безусловно, в этом году биеннале особенно ждали. Об этом говорили еще в Венеции – на одном из самых популярных смотров мирового искусства.

Inspiration: Kate Moss

Второй пост рубрики Inspiration я посвещаю самой знаменитой, самой провокационной, самой скандальной, в недавнем прошлом самой высокооплачиваемой модели — Кейт Мосс. Если мы говорим "Кейт", то подразумеваем весь модельный бизнес. Если мы говорим "модельный бизнес", то подразумеваем саму Кейт. Эти две вещи на протяжении последних 15 лет просто не разделимы.

То, что привнесла в модную индустрию в общем, а модельный бизнес в частности эта britsh girl, можно сравнить со вкладом другой ее соотечественницы — Twiggy. В этом посте я расскажу, что такое heroin chic, почему сейчас все модели толщиной в мизинец и что делает золотая скульптура Мосс в British Museum.



Давайте пробежимся по fashion индустрии за последние полвека: New Look, Твигги, Джиа, Jean Paul Gaultier, супермодели 80-х и 90-х, Kate Moss.  Именно на смену ярким женственным, как сказала Рената Литвинова, "похожих на женщину" моделям, ну например, Клаудия, Наоми, Синди, Хайди (да, именно так — lastname не нужен; их и так знают всех по имени), приходит хрупкая маленькая девочка, которая перевернула модный мир.

В 1992 она стала героиней рекламной кампании Calvin Klein. Худенькая угловатая девушка сидит на полу в одиноких джинсах, настороженно глядя через плечо. В моду вошли бледность, впалые щеки, намеки на круги под глазами и прочие свидетельства декадентского отношения к жизни. Позже этот период в моде назовут "героиновый шик". А теперь взгляните на топ-10 моделей мира: через одну с четкими скулами, щечки чуть не прилегают к челюсти, а объем груди или бедер сравним с метриками девочек-подростков.

В 1997 году американский президент Билл Клинтон очень резко выразился по поводу heroin chic — и томно-изможденный образ ушел. Образ, но не Kate.

Кейт не ушла, а только укрепила свои позиции в мире моды. К концу 90-х Кейт Мосс стала одной из самых известных моделей наравне с Наоми Кэмпбелл и Синди Кроуфорд. Её лицо смотрело с обложек многих известных журналов, о ней писали книги, предлагали сняться в кино. Но чуть позже мир взорвал кокаиновый скандал, когда Мосс была уличена в этом деле одним из таблоидов.

В один момент с ней начали рвать контракт, за контрактом. Кейт хотели убрать, даже она сама хотела уйти. "Я хотела уйти из мира моды, но он не может существовать без Мосс...". Но в ее пользу высказались самые успешные люди: Наоми, Стоун, Элтон Джон, Денев. И ни один скандал не убрал Кейт из моды — у нее каждый год по несколько контрактов с разными брендами и множество magazine covers. Только в сентябре этого года у нее 3 обложки Vogue и 2 обложки других глянцевых изданий.

Помимо модельного бизнеса Кейт стала успешным дизайнером марки Topshop, ежесезонно создавая капсульные коллекции, плюс коллекции к Рождеству. Помимо этого она успешно работает приглашенным редактором в глянце, создает собственную линию парфюмерии и растит маленькую дочку. 

Но, если бы она ни кого не вдохновила, то она не стала бы героиней поста. А начнем, пожалуй, с самой известной работы "по мотивам" Мосс — золотая скульптура, руки Marc Quinn'а, "Сирена". "Сирена" — самая большая золотая статуя со времен Древнего Египта. Названная в пресс-релизе музея "Афродитой нашего времени", она помещена в так называемый зал Нереид рядом со статуями знаменитых древнегреческих богинь. Она была оценена в $ 2 800 000. Скульптура, весом в 50 килограмм, является одним из экспонатов открывшейся в Британском музее выставки Statuefilia.

Также модель предстала в работах художника Джеральда Лэйнга, музыканта Pete Doherty, фотохудожника Лауры Коллинс, а также в произведениях Юко Насу, Christopher Glenney и многих других.

Петр Аксенов. DEADBRAND

"Материалисты ходят на именины, идеалисты на похороны. "
Дон Аминадо

Московский музей современного искусства и галерея RuArts представляют первый музейный проект Петра Аксенова — мастера арт-провокации, художника, фотографа и продюсера в одном лице. Его острые актуальные проекты всегда вызывают бурные споры и широкий общественный резонанс. В послужном списке Петра Аксенова — выставки в Париже, Нью-Йорке, Милане, Майами, успешные арт-проекты в ресторанном бизнесе, организация разнообразных мероприятий в сфере моды и искусства. Работы художника занимают достойное место в частных коллекциях США, Европы и России.

Мода, то есть вся fashion-индустрия, давно уже влилась в мир искусства и является неотделимой частью современного арта. И эта выставка в ММСИ на Гоголевском бульваре является прямым доказательством.

В работах Петра Аксенова процесс нтеграции искусства в мир модных брендов достиг логического финала — деконструкции: узнаваемые символы превратились в каменные надгробия, а вся fashion-индустрия упокоилась в метафорическом некрополе. Созданные художником образы воспринимаются особенно остро на фоне нынешних пессимистических тенденций в мировой экономике.

Главная тема — похоры основных брендов. Главные тренды и узнаваемые символа, как сумка Hermes, помада YSL, духи Chanel №5, кепка Dolce&Gabbana, превратились в надгробные статуи, а готические мавзолеи античных времен носят названия: Prada, Gucci, LV.

Но не всем брендам это пришлось по вкусу. Из зала были вынесены работы, изображающие "похороны" Christian Dior и Louis Vuitton, по ностоянию LVMH.  Что такое LVMH и как его едят? Ну, в 2-х словах это французская компания, известный производитель предметов роскоши под торговыми марками Louis Vuitton, Givenchy, Kenzo, Chaumet, Moët & Chandon, Hennessy, TAG Heuer и др.

Стены каждого зала украшают фотоработы, на поддоконниках стоят увядшие цветы, выставку открывает огромный венок — все это помогает передать атмосферу похорон.

Будущее зависит от тебя. Новые правила

"Серьезность ошибки зависит от её последствий!"
сериал Доктор Хаус

В ММСИ открылась выставка, которая уже успела объездить все площадки современного искусства России: Самара, Красноярск, Екатеринбург, Новосибирск и еще ряд крупных российских городов. Это второе дыхание известной выставки "Будущее зависит от тебя." в 90-х, но на этот раз отобрано около 90 экспонатов и добавлено парочка новых из коллекции Пьера Броше.

На выставке представлены все самые знаменитые русские художники современного искусства: Айдан Салахова, Константин Звездочетов, Сергей Шеховцев, Владислав Мамышев-Монро, "Синие Носы", Кулик и многие другие.

Работы художников разбиты на несколько категорий, которые расспалогаются в разных залах ММСИ: Идея, Социальность, Революция и др.

Для меня, бесспорно, самым любимым отделом стала Социальность. Так как она описывает нашу жизнь, к которой мы привыкли и знаем, тот социум, в котором мы живем. Главным художником представлен Алексей Каллима, который, наверно, единственный из русских творцов решается изобразить больную для нашей страны тему — Чечню. Ей религию, войну, контраст между русскими и чеченцами и абсурд всей этой ситуации. Главным примером этого является картина "Между случайностью и необходимостью".

Нормальная цивилизация. Константин Звездочетов

"Курица —не птица, Болгария —не заграница."
русская поговорка

Константин Звздочетов — один из самых известных художников современной России, а начел творить он еще в 1978 году в купе с легендарной творческой группой "Мухомор". Константина и, собственно, его творчество можно увидеть на всех крупнейших фестивалях современного искусства: от Documenta в Касселе до Веницианского биенале.
 
Новый проект Звездочетов "Нормальная цивилизация" — это как один огромный проект: представление советским человеком "рая" заграницы. Но какая "забугорная" страна могла предстать перед советским человеком? Куба, Болгария, ну и другие страны соцблока. Но эта заграница, которая была в мечтах нашего человека: огромные рекламные плакаты южных городков, море, пляж, запрещенная музыка, Ambassador, Golf, Lolita, Shop Sex, кстати это один из приемов который использовался автором, все слова, даже русские писались латинскими буквами.

Константин одновременно пародирует и западное направление поп-арт. Но если порп-арт Энди Уорхола каталогизировал, высмеивал общество потребления, которое сложилось в те годы в Западном мире (да, а что же тогда было в СССР?), то Звездочетов берет эти образы и пропускает через призму мышления советского гражданина, партийца, так сказать.
 
Ум граждан манил и соблазнял, таящий в себе погибель, капитализм вплоть до перестройки. И единственное, на что мог рассчитывать "простой советский человек", был какой-нибудь черноморский курорт: Сочи, Анапа, Геленджик...

Ум граждан манил и соблазнял, таящий в себе погибель, капитализм вплоть до перестройки. И единственное, на что мог расчитывать "простой советский человек", был какой-нибудь черноморский курорт: Сочи, Анапа, Геленджик...

Панас Ярмоленко

— Постав хату з лободи,
А в чужую не веди, не веди.
Постав хату з лободи,
А в чужую не веди.
украинская народна песня

Для меня это было что-то новенькое. Это далеко не современное искусство, а скорее такой советский модерн. Такое редко увидешь на Винзаводе, это преригатива Третьяковки или Пушкинского, но никак не центра современного искусства. Все это можно увидель в галерее Проун.
 
Панас ярмоленко — украинский художник, добившийся успеха при советской власти, а именно пик его творчества пришелся на 32-45 гг. ХХ в. Панас родился в деревне Малая Каротуль близ Переславля в 1886 году. В начале прошлого столетия имя Панаса Ярмоленко было известно каждому жителю украинской деревни Малая Каратуль. Кто такой Ярмоленко — в те времена даже спрашивать было неприлично. Никому же не приходило в голову интересоваться у московских купцов — а что это у вас на стенке в гостиной висит (хотя это были «малые голландцы»), так и тут: каждый приличный сельчанин имел в доме портрет себя, жены, детей и родителей, все — работы Ярмоленко.

Его творчество на первоначальном уровне представляли личные и групповые портреты родственников, соседей и просто жителей hometown, хотя скорее homevillage. В своих работах он использует фотографии простых людей. Наверно его трудно назвать великим художником, но выучившись живописи неизвестно где, Ярмоленко долгое время жил в Переяславе-Хмельницком — работал в местном художественном клубе и преподавал рисование в школе.

На всех работах "задник" из типичной украинской деревни a la Gogol', как, например, Диканька. С его смертью в мае 1953 года прошла заведенная им мода на сельские портреты. Зато спустя полвека портретами Панаса заинтересовался и украинский президент, и московская галеристка Марина Лошак, и даже Московский дом фотографии. Односельчанам было бы чем гордиться.

Флой Дуглас. EYE CANDY

Baby baby you’re so fine
Be my be my Valentine
Baby baby you’re so fine
Be my be my Valentine
Светлана Лобода

Выставка яркого голландского художника Флойда Дугласа проходит в галерее FotoLoft на территории Винзавода. Галерея FotoLoft — самая инновационная фотогалерея Москвы. Продвигает фотографию не только как предмет коллекционирования и выгодные инвестиции в искусство, но и как важный арт-объект любого пространства.

Работы Дугласа — своеобразный mix из сюрреалистичных работ Salvador Dali, поп-арта Энди Уорхола, своеобразия современного мира, гламура и работ цифровой эры в искусстве.

Флойд использует технику компиляции и композиции фотографий, которые в результате цифровой обработки превращаются в сюрреалистические картины. После печати на обычном холсте, художник украшает работу различными средствами: нарисованными характерной манерой художника рисунками, смолой, трафаретными рисунками, свойственным для graffiti, листовым золотом, или же смачными брызгами краски a la Jackson Pollock.

Каждый в работах найдет свое: irrepressible Нью-Йорк, тихий и теплый LA, восточный Токио и foggy Лондон.